Jean-Claude BERTHEL - Les chemins du vent

Espaces habités par le vent, course du vent dans laquelle, inexorablement, est entraîné le regard du spectateur : la peinture de Jean-Claude Barthel s’ impose d’abord par sa dynamique.
Comment naissent ces rafales, ces souffles véhéments qui font frémir comme des voilures les plages colorées, tracent des lignes qui scient et flagellent l’espace dans une impétueuse chevauchée ?
Une gestuelle vigoureuse impulse le mouvement aux éléments graphiques, détermine des directions , ouvre des chemins. Il arrive que l’espace soit traversé de cinglantes blessures de feu.
En opposition à cette dynamique violente, immédiatement manifestée, une autre se révèle, plus interne, plus cachée, présente dans l’intimité d’une matière minérale et cristalline que l’artiste anime de vibrations grâce à une technique particulière de glacis où les couches supérieures sont constituées de lignes serrées et ténues, parfois à peine perceptibles.
Ainsi des plages de couleur claire marquent un temps d’arrêt dans le mouvement violent, dessinent des aires de silence et de paix dont les vibrations internes et la géométrie hésitante des bords souligne le caractère provisoire.
Porteur de mort et souffle de vie : tel se présente le vent. Il y a bien, dans l’œuvre de Jean-Claude Barthel , quelque chose de cette action ambivalente :
Violence destructrice et force tonifiante.

Michèle Pichon
Agrégée de Philosophie
Docteur en philosophie

Voir les oeuvres de Jean-Claude BARTHEL : www.art-top.eu

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exposition "Le cercle"

Picto A7

Un code? une nouvelle autoroute? un nouveau pictogramme destiné à nous orienter dans une ville tentaculaire?...

Non, un espace pictural sortant de l'imaginaire de Sylvie GESBERT DE LÌNEA.

"Je peins, assemble, compose, corps privé de figures convergentes, un espace pictural, et je le soude de l'intérieur avec la matière, la couleur, la lumière jusqu'à l'emplir d'une extase plastique intense, fluide, épaisse. En ce sens, le peintre prend le pouvoir sur la forme. Chaque forme implique un espace pour s'affirmer. Alors les matières et les matériaux suivent le cours d'un fleuve... c'est comme l'eau qui cherche son espace d'ecoulement. La peinture est pour moi cet espace. ...

Sylvie Gesbert De Lìnea

Véronique LATIL à la galerie Art Présent

Veronique LATIL

Exposition du 30 août au 12 septembre 2008

Vernissage le mercredi 3 septembre 2008 de 18h à 21h

Galerie Art Présent : 79 rue Quincampoix - 75003 Paris ( M° Rambuteau)

Ouvert tous les jours sauf le dimanche de 13h à 19h

Galerie de Veronique LATIL: cliquer ici

Haïa MARUANI du"Je" au "Rien"

MARUANI Haïa

Artiste plasticienne

Haïa MARUANI est née en 1971 et fait de la peinture depuis son enfance. Des études d'Arts Plastiques à la Sorbonne, les oeuvres de Van Gogh, Matisse, Mondrian, des lectures de philosophes (Heidegger, Hegel, Kant, Aristote) contribuent à définir ses goût esthétiques et sa vision du monde LE THEME DU RIEN A TRAVERS DES MOMONOTYPES A L’ENCRE D’IMPRIMERIE, OEUVRES ABSTRAITES Le point de départ de mon travail a été une série d’interrogations sur ce qu’est la création, ce que je peins, quels sont mes sujets , quel message je cherche à transmettre. Le monotype est un procédé technique qui consiste à dessiner directement sur une plaque de métal avec de l’encre grasse, puis à faire un tirage unique à la presse avant que le motif n’ait eu le temps de sécher. Cela m’a intéressé dans la perspective de mon questionnement sur le «Rien» car c’est une pratique de l’aléatoire. On ne sait pas exactement par avance ce qui apparaîtra sur la feuille de papier une fois qu’elle sera sortie de la presse d’imprimerie composée de grands rouleaux en métal. J’ai utilisé des éléments de la nature tels que des feuilles, des écorces et des branches d’arbre, toutes sortes de végétaux et de papiers (papier bulle, papier de soie, papier froissé,...), des éléments tels que des cédéroms, des fils électriques, etc. Je les ai placés sur la plaque de zinc où j’avais pris soin d’apposer des empreintes d’encres noires et colorées, puis j’ai posé la feuille de papier blanc sur la composition, j’ai passé le tout dans la presse et j’ai décollé la feuille blanche de la plaque de zinc. Peu à peu, on finit par connaître les effets plastiques obtenus suivant les cas, jusqu’à pouvoir maîtriser les types d’empreintes, ces drôles de motifs abstraits. Le résultat est surprenant, des motifs colorés modernes donnent parfois lieu à des paysages abstraits ou des formes inattendues comme un grillage, une résille provoquée par l’application de papier bulle encré. Ces monotypes à l’encre d’imprimerie sur papier traduisent une réflexion sur le thème du «rien», distinct du néant. C’est en particulier dans la tradition chinoise (DAO) où le «vide est fondamental» que j’ai trouvé un écho à ma problématique, à mes questionnements sur le «rien». Dans le Dao De Jing (Chapitre II), il est dit : «D’une motte de glaise, on façonne un vase, ce vide dans le vase en permet l’usage». Jean-Marc KESPI explique dans son ouvrage CREATIONS ET PROJETS Le judaïsme est une source d'inspiration très riche, notamment les fêtes qui sont riches de sens et qui rythme la vie quotidienne des Israëlites. C'est pourquoi tenter d'illustrer des lectures bibliques et midrachiques, tenter de dessiner des concepts est devenu au fils des années le fil directeur de travail artistique. En voir et en savoir plus sur Haïa MARUANI : cliquer-ici

Art abstrait

Aux origines de l'abstraction

Dans les années précédant la première guerre mondiale, plusieurs variétés d'art abstrait émergèrent dans différents contextes, alors que la ville de Paris était souvent reconnue comme la capitale de la culture occidentale à l'époque, et que Robert Delaunay y exposa ses œuvres cubistes prismatiques. Mais il est tout aussi important de regarder ailleurs, par exemple: en Allemagne et en Russie, des artistes créaient des tableaux qui variaient beaucoup, non seulement dans leur aspect mais aussi dans les intentions.

L’influence du développement de la science et de la technique propres à la peinture, sur l’évolution de l’art plastique est bien établie. De plus, l'invention puis l'évolution de la photographie au XIXème siècle libère la peinture de la représentation de la réalité.

Cependant, des domaines apparemment fort éloignés de la peinture ont aussi amené des modifications dans la position des artistes.

Certains artistes sont influencés par ces nouvelles connaissances. Les «impressionistes» avaient, eux, déjà tenté de rendre l’ « impression » (la première étape) que leur faisait la nature. D’autres peintres vont reconnaître qu’il est vain d’essayer de restituer la nature sur une toile avec une objectivité totale. Car les « sensations » (la deuxième étape) viennent « perturber » le processus de création et elles apparaissent fort complexes. Elles ne sont pas un simple enregistrement passif d’informations de formes et de couleurs, mais impliquent des mécanismes neurologiques apportant d’autres résultats. Il va plus s’agir de rendre les résultats de l’introspection que de copier plus ou moins fidèlement les effets de la nature.

Frantisek Kupka (1871-1957), pionnier de l’abstraction en peinture, a rapidement saisi l’impact de cette nouvelle conception de la vision sur la finalité de l’art, jusqu’alors perçue comme une imitation de la nature.

Wallace Rimington, écrit en 1895 : « En peinture, la couleur a seulement été utilisée comme l’un des éléments de l’image. Nous n’avons pas encore eu d’images dans lesquelles il n’y ait ni forme, ni sujet, mais seulement la pure couleur » Il écrit également : «…En fait, il n’y a jamais eu d’art pur de la couleur ne s’occupant que de la couleur seule et ne se fiant seulement qu’à tous les changements subtils et merveilleux, ainsi qu’aux combinaisons dont la couleur est capable en tant que moyen de sa propre expression. ». A cette époque, ses concerts de « color music »« Les lois d’harmonie de la Peinture et de la Musique sont les mêmes » (Henri Rovel), Son contenu, dans l’esprit de la musique chromatique, aura une grande influence sur les peintres Kandinsky (1866-1944), Larionov (1881-1964) et à nouveau Kupka. Dans un autre article, Rovel confirme « La vie est caractérisée par la vibration. Sans vibration, il n’y a pas de vie. Le monde entier est soumis à cette loi. » (Wikipédia)

Louis DELMAS ( Coulée de métaux sur variations de couleur)

L'abstraction de nos jours

Ces vibrations de la couleur continuent de faire rêver les artistes et l'art abstrait se perpétue.
Au mois de mai nous recevons 9 artistes d'horizons différents. Chacun créant sa propre vibration à partir d'un assemblage de formes, de couleurs, de médiums et de matériaux différents. Ils nous révèlent ces couleurs qui les font vibrer, ils nous proposent de vibrer avec eux, de nous faire écho de leur musique intérieure.
Une exposition qui regroupe :
Louis DELMAS (invité d'honneur)
Véronique LATIL
Haîa MARUANI
PAPADATOS
Ana MORO
Madeleine FJÄRILSDOTTER
CHRISHILLSylvie GESBERT DE LÌNEA
et PYA (sculpteur des transparences)
Exposition du 2 au 31 mai 2008
Vernissage samedi 10 mai à 18h
Cocktail de fin d'exposition jeudi 29 mai à 18h
Galerie Art'et Miss
16 rue Ste Anastase - Paris 75003 ( Proche du Musée Picasso)
Tél : 01 43 57 37 42

Gaetano D'ALESSANDRO - "Théorème"

Gaetano D'Alessandro naît à Catania en 1952. Ingénieur, ses études sur les phénomènes optiques influencent sa recherche artistique. C'est le théoricien de l'Expressionnisme de la raison qu'il résume ainsi:

"Je m'approche de la peinture comme le scientifique face à une expérience. En effet, la peinture elle-même est science puisqu'elle se fonde sur la physique optique. Chaque couleur a une radiation avec une longueur d'onde bien définie, par conséquent l'effet de la composition picturale est la combinaison de ces radiations qui frappent l'oeil et excitent l'esprit.

La technique picturale exploite les lois de la lumière: l'absorption, la réflexion et, surtout, la diffraction. C'est pour cela que la peinture matiériste tire le plus grand avantage des phénomènes physiques qui concernent la lumière.

La peinture donc, y compris celle où prévaut le geste (informelle ou abstraite ), n'est pas produite par l'inconscient, mais par des choix mesurés et équilibrés. Elle est le fruit d'une sélection consciente des couleurs, du fond, de la pâte afin de créer une composition qui est le résultat visuel de la carte mentale."



Exposition "Théorème", présentation de Maria Teresa PRESTIGIACOMO

"Paris, Pourquoi l'art abstrait, informel, l'"Expressionnisme de la raison" de l'artiste Gaetano D'Alessandro, est-il son théorème de l'âme?
Un théorème complexe, celui-ci, unifiant tous les autres, presque une affaire de théologiens, de scientifiques de la non forme.
Comment sa peinture matérialiste,sans figures, peut-elle raconter une épopée historique ou faire face à des thèmes qui enfoncent leurs racines dans la grande Histoire?
Sa force réside dans le signe minimal mais efficace, dans sa maîtrise à traiter la matière qui donne du corps et de la substance à des compositions équilibrées.
La matière nourrit son récit de peinture, elle le soutient, elle le maintient en équilibre, elle confère du corps au balancement chromatique des différentes parties dans l'espace canonique de la toile.
La matière est sensualité, passion, corporéité, véhémence, chaleur.
Elle seconde la métrique picturale au rythme chromatique cadencé, toujours sobre, composé, raisonné de l'artiste, le conduisant en un tourbillon sensuel de pensées, autant de variations sur le thème du moi.
Son huile, au couteau, se répand sur la toile avec des traits reconductibles à un schéma pictural préparé,architecturé, du début jusqu'à la fin.
Sa toile se transforme en une ronceraie de jours hors du temps dans l'oeuvre "Entropia" où il exprime la joie de celui qui aime le monde et contemple sa kaléidoscopique métamorphose. Ce n'est pas un effet du hasard si une oeuvre porte le titre "Vivendi" : d'un impact chromatique percepteur très fort.
Sa force expressive est surtout due à l'adoption de la gamme de la couleur orange qui symbolise l'énergie, la transformation la vigueur de la régénération.
La remarquable musicalité des oeuvres de D'Alessandro est soulignée, en particulier,dans l'oeuvre "Sirtaki" où le "vibrato" musical et émotif jaillit de l'action intense et dynamique du couteau qui, dans la toile, semble refaire les signes agogiques du chef d'orchestre. Celle-ci dirigée par le maître, donne vitalité, mouvement à l'oeuvre, dans un mix parfait de rythmes et de clairs-obscurs.
En résumé, dans toute les oeuvres de cet artiste, on entrevoit la matrice culturelle générale de l'informel, avec les traits de ce courant qui naît dans les années trente/quarante, lié aux thèmes philosophiques de la phénoménologie et de l’existentialisme (Sartre) et à ceux d’écrivains tels que Miller, Genet, aimé du metteur en scène Sthreler et Beckett.
Le texte qui fixe et scelle les traits de ce nouveau courant est « Un art autre » de Tapié,de 1952 . Dans ce manifeste, on n’affirmait pas la supériorité de la non-forme sur la figure, mais plutôt la rupture avec l’écriture classique précédente et le début d’une nouvelle épopée, une épopée d’aventures, de voyages entre signes et chaos chromatiques où l’artiste, l’homme,celui qui jouit de l’œuvre pouvait se perdre.
: « La toile est un champs de bataille où les blessures se multiplient infiniment », de même, D’Alessandro blesse ses toiles pour arriver au cœur des gens.

Vente en ligne

"La Vie en rose " - Emotions méditerranéennes

La galerie Art'et Miss accueille 9 artistes italiens, une exposition riche et variée. Du figuratif avec Franca VASILE ou de l'art naïf avec Elio GERVASI à l' art abstrait avec Maria Angela SARCHIELLO ou Dario GIANCANE, du surréalisme avec Gabriele CAMPISI COSIMA à l'hyperréalisme de Danilo CURCELLI, du symbolisme de GIUSY ou FISCER à l'art géometrique de Maria APRILE, ces artistes déclinent un large éventail de l'art contemporain.


Cette exposition nous permet d'accueillir des artistes confirmés, rodées aux expositions internationales comme de tous jeunes artistes qui font leur première exposition hors Italie.

Du 5 au 16 mars, tous les jours de 14h à 18h